La exposición crea un rico panorama que ofrece una mirada única y compleja a la fascinación que ejerce la Viena de alrededor del año 1900 y la atmosfera vibrante de esta época. Se trata de una muestra semipermanente que abarca alrededor de 1.300 obras expuestas en tres plantas, y que presenta el esplendor y la riqueza de los logros artísticos e intelectuales de este período a través de obras maestras del Leopold Museum, así como de préstamos permanentes de colecciones austríacas e internacionales.

El último retrato femenino del icónico pintor vienés Gustav Klimt, Mujer con abanico, mira seductoramente y con una autoconfianza notable hacia lo lejos. Este cuadro vibrante se exhibe en Viena de nuevo después de más de un siglo. Se presenta al lado de otros ejemplos de las últimas obras de Klimt en una exposición especial en el Alto Belvedere.

2 artistas, 2 museos, 1 muestra

La exposición invita a una reinterpretación cruzada de las obras de Rodin (1840-1917) y Picasso (1881-1973), estos dos grandes artistas que cambiaron para siempre las prácticas artísticas de su tiempo para las generaciones futuras.No se trata de mostrar lo que Picasso tomó prestado de Rodin, sino de examinar las significativas convergencias que aparecen entre la obra de Rodin y varios periodos de la producción de Picasso.

Esta gran exposición ofrece una visión única de los procesos creativos de Rodin, destacando el papel crucial de la tiza en su práctica. La muestra evoca el ambiente informal de su taller, donde el visitante descubrirá piezas menos conocidas y nuevos aspectos de sus obras más emblemáticas.

La exposición muestra las obras más destacadas de la extensa colección de arte austríaco del museo del periodo comprendido entre 1890 y 1940, incluidas las principales obras de Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Alfred Kubin y Egon Schiele.

Esta exposición presenta una amplia y variada selección de las pinturas de Anglada Camarasa, con la idea de mostrar el conjunto desde una visión personal y romántica que evoca aquella disposición del Museo de Pollença. Una oportunidad única para acercarse a la obra de Anglada-Camarasa a través de una propuesta expositiva distinta a como se ha mostrado la obra en CaixaForum hasta ahora.

El objetivo de la exposición es dar a conocer a las mujeres pintoras de finales del siglo XIX que dedicaron su carrera a pintar las flores del Modernismo catalán y que son poco conocidas. Nos referimos a las mujeres artistas que participaron en las exposiciones femeninas de la Sala Parés de Barcelona en los años 1896, 1897, 1899 y 1900.

En 1896, la Sala Parés organizó la primera exposición exclusivamente femenina, como ya se había hecho en Chicago poco antes. Participaron una gran variedad de mujeres artistas cuyo objetivo principal era darse a conocer al público.

Esas exposiciones femeninas de la Sala Parés fueron el punto de inflexión a partir del cual cada artista pudo elegir y proseguir su carrera, un punto de partida para "normalizar" la profesionalización de estas pintoras.

El tema más recurrente de esas muestras fueron las flores, que incluso merecieron un trato específico dentro del bodegón o naturaleza muerta. Ello se debía a que las mujeres que se matriculaban en la Escuela de Bellas Artes, la Llotja, tenían vetado el acceso a las clases de desnudo, lo que no facilitó que pudieran dedicarse profesionalmente a la figura o al retrato.

Estas artistas aprovecharon la oportunidad que la sociedad les ofrecía y "utilizaron" las flores como manifiesto de su arte. Dotadas para la composición y diestras con el color, algunas consiguieron unos resultados notables; otras, en cambio, tuvieron unas carreras más irregulares, y un grupo numeroso desapareció del panorama artístico después del matrimonio.

Comisariada por la historiadora del arte Consol Oltra, la muestra presenta las obras de estas mujeres, algunas de las cuales se expusieron en la Sala Parés hace más de cien años.

Viernes 11 de junio, el día en que se inaugura "Diseñar la novedad: Charles Rennie Mackintosh y el estilo Glasgow" en Nashville, Tennesse, el Museo Frist Art presenta una conferencia de Alison Brown, conservadora de Arte Decorativo y Diseño Europeo de los Museos de Glasgow y comisaria de la exposición.

A lo largo de 21 años, de 1896 a 1917, el arquitecto y diseñador Charles Rennie Mackintosh creó algunos de sus interiores y programas decorativos más imaginativos para los cuatro salones de té de Catherine Cranston, en el centro de Glasgow. El encargo le dio la oportunidad de experimentar un enfoque cada vez más sofisticado para los interiores, el mobiliario y los accesorios, desde murales misteriosos inspirados en el Art Nouveau y Japón y asientos icónicos de respaldo alto hasta espacios de comedor evocadores con gamas de colores que van del blanco y plateado a la cálida madera teñida, además de diseños de influencia china y una geometría audazmente colorida que anticipaba el ritmo del Art Déco. Su conjunto de salas de concepción más tridimensional, para el Salón de Té Willow (1903), alcanzó un nuevo nivel en la configuración de un interior como obra de arte total. Esta conferencia ilustrada presenta las singulares colaboraciones de Mackintosh con Catherine Cranston mediante fotografías de archivo y de objetos, con los conocimientos de la trastienda de los Museos de Glasgow sobre la conservación, reconstrucción y restauración de algunos de sus interiores de los salones de té que todavía existen en la calle Ingram.

Viernes 11 de junio | 18 h BST | 12 h EDT | vía Zoom, gratuito con reserva previa

Debido a la continua propagación del Coronavirus en todo el mundo, la junta directiva y la directora de la Fundación Iconic Houses se han visto obligados a reprogramar las conferencias y las visitas guiadas de este año. Después de una cuidadosa consideración, se considera que posponer el evento al 1 - 7 de junio de 2021 es la única opción viable. La inscripción se abre de nuevo el 1 de junio.

Louis Comfort Tiffany (1848-1933) empleó a muchos diseñadores, pero sólo un puñado de estas personas fueron seleccionadas para trabajar en el departamento de esmaltes, al que los empleados de los Estudios Tiffany se referían con cierta envidia como la "pequeña Arcadia". La exposición muestra una docena de diseños en acuarela de estos artesanos de Tiffany.