La muestra presenta un recorrido que traza el interés creciente del pintor hacia los elementos florales. A través de aceites, dibujos, fotografías, estampas e indumentaria de Anglada-Camarasa, nos hace comprender como la flor aconteció un elemento principal de sus pinturas y como las flores dibujaron su vida.

¿Es el Art Nouveau un estilo? ¿O podría describirse mejor como un estado de ánimo y una fe insaciable en la modernidad? Maison Hannon presenta "Art Nouveau belga: Van de Velde, Serrurier-Bovy, Hankar & Co", una exposición dedicada al movimiento Art Nouveau belga en toda su diversidad. Con una amplia gama de piezas procedentes de colecciones públicas y privadas, muchas de las cuales no se han visto nunca antes.

La exposición está dedicada a la vida y a la obra de Susanne Homann (1866-1923), una mujer apasionante y versátil. Fotografió el cosmopolita complejo balneario de Bad Nauheim de la Belle Époque. La muestra  presenta numerosas fotografías que Homann realizó a lo largo de su carrera en ámbitos muy diferentes.

Muestra la naturalesa polifacética del periodo modernista i el desarrollo posterior de las artes decorativas internacionales hasta la década de 1930, centrándose en el Art Déco y la Bauhaus.

El objetivo de esta exposición es entender la expresión y el vocabulario de Horta sin ideas preconcebidas... Entender Horta desde dentro saliendo de los caminos trillados.

"Estrellas, plumas, borlas: Felice Rix-Ueno (1893-1967), artista del Wiener Werkstätte" es una exposición individual organizada por el Museo MAK para conmemorar el 130.º aniversario del nacimiento de la artista. La muestra, con doscientos objetos, presenta una selección transversal de su obra.

Con un estilo independiente y muy poético, Felice Rix-Ueno se estableció como una de las artistas más destacadas del Wiener Werkstätte (Taller Vienés). Produjo centenares de dibujos de diseños para el Taller, sobre todo para estampados textiles, pero también para papeles pintados, bordados, esmaltes, accesorios de moda y del hogar, juguetes y diseño gráfico comercial. En su segundo hogar, en Japón, encontró el éxito como profesora universitaria y fundó su propio instituto de diseño.

Líneas naturalmente fluidas, formas ingeniosamente curvadas y una exuberante riqueza de ornamentación floral, figurativa y abstracta: éstas son las características distintivas del Art Nouveau, la versión francesa y belga del Jugendstil. Francia y Bélgica desempeñaron un papel fundamental en la agitación del arte y el diseño europeos en torno a 1900, que allanó el camino a la modernidad. París, en particular, ejerció una enorme atracción magnética: Arquitectos como Hector Guimard y Eugène Gaillard trabajaron aquí; cartelistas como Henri de Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha revolucionaron el diseño gráfico.

Con motivo del 50 aniversario del Bröhan-Museum, esta amplia exposición está dedicada a uno de los puntos centrales del museo: el Art Nouveau francés y belga. Con gran ludismo y ornamentación especialmente floral, los artistas del Art Nouveau de ciudades como Bruselas, París y Nancy crearon un nuevo diseño para la Belle Époque, que pronto cautivó a toda Europa. Con piezas excepcionales procedentes de colecciones privadas nacionales e internacionales, el Bröhan-Museum revive la gloria de esta época. Algunas de las obras prestadas se muestran al público por primera vez.

Esta exposición exclusiva de dibujos de René Lalique incluye una selección de sus joyas. La muestra también presena la colección de dibujos de Fabergé de A La Vieille Russie, la cual se expone junto a una selección de piezas correspondientes.

Tanto Lalique como Fabergé expusieron en la Exposición Universal de París de 1900, en la que recibieron sendas distinciones.

Con esta exposición a gran escala, el Museo Leopold pretende arrojar nueva luz sobre la obra eminente e innovadora de Max Oppenheimer, que ha caído injustamente en el olvido, y explorar la riqueza de los motivos de sus obras. Además, la presentación examina el papel del artista y sus redes a través de sus contemporáneos Oskar Kokoschka y Egon Schiele.

Tras una amplia investigación, el retrato de Gustav Klimt Adele Bloch-Bauer II (1912-1913) se presenta en una exposición especial.

Adele Bloch-Bauer II vuelve a Viena para someterse a un análisis científico y restauración en los talleres del Belvedere. Esta ocasión ofrece una oportunidad única para presenciar esta excepcional obra tardía de propiedad privada de Gustav Klimt en su forma original y conocer la técnica de pintura del artista gracias a los resultados de la investigación actual.

La exposición cuenta la historia de Edvard Munch y Berlín ilustrada por unas 80 obras: Pinturas, grabados y fotografías.

Con la modernidad radical de sus pinturas, Edvard Munch (1863-1944) desafió a sus contemporáneos, especialmente en Berlín, donde el simbolista noruego ejerció una gran influencia en la escena artística del cambio de siglo.

La muestra presenta obras destacadas de la amplia colección del museo de arte austríaco del período comprendido entre 1890 y 1940. La Neue Galerie New York es el resultado de treinta años de estrecha amistad entre el marchante de arte y organizador de exposiciones Serge Sabarsky y Ronald S. Lauder, cofundador y presidente del museo. Juntos pasaron innumerables horas discutiendo sobre Gustav Klimt, Egon Schiele y Oskar Kokoschka. En la década anterior a la muerte de Sabarsky, habían soñado crear un museo de arte austríaco y alemán, y la Neue Galerie New York es el fruto de esta pasión compartida.

El palacete Autrique presenta la obra y la vida de Privat Livemont, emblemático artista Art Nouveau de Bruselas. Artista polifacético, artesano y profesor en la Academia Industrial de Schaerbeek, Livemont parece haber sido un trabajador incansable. Se le conoce sobre todo por sus carteles y los esgrafiados de muchas fachadas de Bruselas.

La exposición quiere librar a Victor Horta de la etiqueta Art Nouveau y ofrecer otras lecturas de su obra, como sus vínculos con el eclecticismo y el Art-Déco. También examina el papel destacado de sus maestros: los arquitectos Alphonse Balat, Eugène Viollet-le-Duc y Joseph Poelaert. La muestra pretende liberar la obra de Horta de cualquier idea preconcebida, dibujando un retrato del arquitecto que toma en consideración todas sus contradicciones.

La exposición explora la vida y obra de Hector Guimard (1867-1942), arquitecto y diseñador francés cuyo nombre es sinónimo del movimiento Art Nouveau francés. Se trata de la primera gran exposición de un museo estadounidense dedicada a Guimard desde 1970 y reúne objetos de mobiliario y diseño, como joyas, metalistería, cerámica, dibujos y textiles procedentes de colecciones de todo el mundo.

La muestra está Coorganizada por el Museo Richard H. Driehaus y el Museo del Diseño Cooper Hewitt, Smithsonian

Esta exposición muestra instalaciones de diseño floral encargadas a diseñadores florales locales en diálogo con obras de Louis Comfort Tiffany y los Estudios Tiffany. La muestra está comisariada por Elizabeth Cronin, propietaria del Asrai Garden de Chicago -y muy conocida por ser una de las juezas del programa de concursos de HBO Max, "Full Bloom"-, que ha seleccionado tanto a los diseñadores florales participantes como los objetos de Tiffany expuestos.

Como parte de las actividades de "Art Nouveau Bruselas 2023", la Fundación Rey Balduino expondrá una serie de obras maestras Art Nouveau de su colección, desde obras de arte de valor incalculable hasta una gran variedad de objetos cotidianos. Visite esta exposición gratuita para descubrir las historias especiales e interesantes anécdotas que se esconden detrás de cada uno de los objetos.

En tres actos, la exposición recorre la historia de Alphonse Mucha, el rey del cartel impreso, figura simbólica del Art Nouveau inseparable del París de la Belle Époque, y muestra sus principales obras, entre ellas la Epopeya eslava, espectacularmente presentada. También pone de relieve la influencia duradera del artista, fuente de inspiración para la creación actual, del arte callejero al manga, del cine al tatuaje.

La muestra explora la vida y obra del arquitecto y diseñador Art Nouveau francés Hector Guimard. Con unas 100 obras entre muebles, joyas, trabajos en metal, cerámica, dibujos y textiles procedentes de colecciones de todo el mundo, la exposición ofrece una visión completa de la carrera de Guimard, la colaboración creativa de su esposa y su compromiso con el diseño accesible.

La exposición "Formas de la Naturaleza" presenta veinte obras de cerámica de propiedad privada de Henry van de Velde.
La muestra pone de relieve su interés por las formas naturales y subraya la influencia que el naturalista Ernst Haeckel tuvo en los nuevos diseños del periodo Jugendstil. Las flores, conchas e insectos siempre fueron fuente de inspiración para el reformador del arte belga Henry van de Velde. En los jarrones de Van de Velde, por ejemplo, se
pueden reconocer medusas o pulpos, mientras que su ornamentación vegetal recuerda a flores abstractas.

El Jugendstilsenteret celebra su vigésimo aniversario con la exposición "Los búhos vuelan al atardecer, el Centro Art Nouveau a los veinte". La muestra se adentra en la colección del Jugendstilsenteret, con una selección de objetos que rara vez o nunca se han mostrado al público. Se exponen junto a los objetos más conocidos de la colección y obras en préstamo del Museo Nacional de Artes Decorativas y Diseño de Trondheim. "Los búhos vuelan al atardecer" también incluye imágenes de películas y música del año 1900. Fiel a los ideales modernistas, la exposición está concebida como una instalación holística que pone énfasis en la experiencia sensorial y estética.

Esta exposición es la primera que compara estas tres metrópolis artísticas del cambio de siglo: Múnich, Viena y Berlín. Con el amanecer de la modernidad, las vanguardias artísticas persiguieron la libertad tanto en las instituciones de arte como en los temas tratados. Muchos artistas pertenecientes a las nuevas corrientes del Simbolismo, el Modernismo y el Impresionismo fueron presentados por primera vez en las muy celebradas exposiciones de la Secession. La muestra incluye más de doscientas pinturas, esculturas y obras gráficas de ochenta artistas. No sólo presenta a muchos artistas que descubrimos por primera vez, sino que también pone el foco en las creaciones de Gustav Klimt con numerosas muestras de su obra.

Esta exposición temporal nace con la voluntad de presentar las obras y los objetos que han ido entrando en las colecciones de los tres museos de Sitges desde el año 2014. Esta fecha significó la reapertura de los museos del frente marítimo, el Cau Ferrat y el de Maricel.
Desde entonces los museos han incorporado 1.382 obras, objetos y documentos, de los cuales ahora se presenta una selección de 300.

Entre las obras expuestas se encuentran piezas de Picasso, Isidre Nonell, Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Olga Sacharoff i Alonso Cano, además de una de las mayores colecciones de vidrio de Cataluña que engloba piezas del antiguo Egipto hasta el siglo XVIII.

La primera exposición completa en Austria de las obras más destacadas de la Colección Würth, una de las mayores colecciones privadas de Europa y una de las más eminentes recopilaciones de obras de arte de todo el mundo. Para la concepción de la exposición, que reúne obras desde el Modernismo clásico hasta el arte contemporáneo y permite así un viaje único a través de 100 años de historia del arte, el Director del Museo Leopold, Hans-Peter Wipplinger, recibió carta blanca para seleccionar 200 obras maestras de las aproximadamente 20.000 obras que componen la colección y mostrar estos aspectos más destacados de la Colección Würth en dos niveles de exposición en el Museo Leopold.

Sarah Bernhardt, (1844-1923), fue una figura emblemática que abarcó los siglos XIX y XX. La "Divina Sarah", tanto artista como actriz, toma el protagonismo en el Petit Palais en una exposición excepcional organizada con motivo del centenario de su muerte. El museo acoge importantes colecciones de obras vinculadas a la actriz, entre las que destaca su espectacular retrato que pintó su amigo Georges Clairin en 1876. Fotografías, pinturas e incluso una película revelan su vertiente privada pero también la publicidad que buscaba para su trabajo como artista.

La exposición presenta un periodo de gran agitación en el que los artistas rompieron con la tradición establecida y sentaron las bases del arte de los siglos XX y XXI.

Las décadas comprendidas entre 1880 y el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 fueron un periodo complejo y vibrante de cuestionamiento artístico, búsqueda, asunción de riesgos e innovación. La instalación celebra los logros de tres gigantes de la época: Paul Cézanne, Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Sigue la influencia que ejercieron en sus coetáneos, en las generaciones más jóvenes de artistas franceses y en círculos más amplios de artistas de toda Europa en Barcelona, Berlín, Bruselas y Viena.

Con más de cien obras de pintores que van desde Klimt y Kokoschka, Matisse y Picasso hasta Mondrian y Kandinsky, complementadas con una selección de esculturas de artistas como Rodin y Camille Claudel, la presentación sigue la creación de un nuevo arte moderno, libre de convencionalismos, que abarca el expresionismo, el cubismo y la abstracción.

También incluye algunas de las obras de arte más emblemáticas creadas durante estas décadas. Importantes préstamos llegan a la exposición procedentes de instituciones y colecciones privadas de todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Orsay y el Museo Rodin de París, el Instituto de Arte de Chicago, las National Galleries of Scotland de Edimburgo, el Museo Nacional de Arte de Cataluña de Barcelona, la Tate Modern de Londres y el Wadsworth Atheneum Museum of Art de Hartford, Connecticut.

La exposición ofrece una nueva mirada a la obra del famoso Katsushika Hokusai (1760-1849) y examina con detalle el impacto que Hokusai tuvo sobre otros artistas, tanto durante su vida como más allá, con gran influencia en los creadores modernistas.

¿Quién inspiró a Gustav Klimt, el gran maestro del Modernismo vienés? ¿Conocía a Vincent van Gogh? ¿Había visto alguna vez una obra de Henri Matisse? La exposición en colaboración entre el Belvedere de Viena y el Museo Van Gogh de Ámsterdam sigue un rastro que parte de los precursores artísticos de Klimt y llega hasta sus contemporáneos. En sorprendente yuxtaposición, la muestra exhibe obras de Klimt, Van Gogh, Matisse y muchos otros.

Comisariada por Markus Fellinger (Belvedere, Viena), Edwin Becker (Museo Van Gogh, Ámsterdam) y Renske Suijver (Museo Van Gogh, Ámsterdam).

La Fundación del Hermitage dedica una gran retrospectiva a uno de los artistas belgas más importantes de principios del siglo XX: Léon Spilliaert (Ostende 1881-Bruselas 1946). Autodidacta, formado en la literatura de su época y convencido de su destino de artista elegido, Spilliaert es autor de una obra de profunda originalidad, bañada en cuestiones metafísicas y en la cultura flamenca, y realizada casi exclusivamente sobre papel. Mezclando técnicas gráficas, el artista de Ostende teje vínculos con el simbolismo y el expresionismo contemporáneos, y parece anunciar, en sus paisajes más radicales, simplificados hasta el extremo, la abstracción geométrica y el minimalismo.

Maillol, muy presente en París gracias a los bronces instalados en los jardines del Carrousel por Dina Vierny y André Malraux, e inaugurando la galería de esculturas de La Piscine con île-de-France, el catalán Aristides Maillol aparece como un escultor tan esencial como incomprendido y poco conocido.

Gracias a préstamos excepcionales, la obra de Maillol se presenta en toda su variedad: principalmente esculturas, pero también pinturas, cerámicas, bordados y objetos de arte decorativo, así como dibujos y grabados. Aunque la exposición abarca toda su carrera, se centra en particular en el período inicial, durante el cual Maillol descubrió su verdadera vocación y se estableció como escultor.

La exposición crea un rico panorama que ofrece una mirada única y compleja a la fascinación que ejerce la Viena de alrededor del año 1900 y la atmosfera vibrante de esta época. Se trata de una muestra semipermanente que abarca alrededor de 1.300 obras expuestas en tres plantas, y que presenta el esplendor y la riqueza de los logros artísticos e intelectuales de este período a través de obras maestras del Leopold Museum, así como de préstamos permanentes de colecciones austríacas e internacionales.

Esta exposición monográfica está dedicada al gran ilustrador Ricard Opisso i Sala. La muestra se compone de más de 30 obras de este artista único, que inició su trayectoria con Antoni Gaudí y se hizo popular ilustrando las páginas del TBO, una revista de cómics catalana escrita en castellano y algunos números en catalán, que apareció en 1917 y se publicó, con interrupciones, hasta 1998.

Esta exposición pondrá el foco en la personalidad contradictoria y dogmática de Feliu Elias (Barcelona, 1878-1948). Artista de una personalidad poliédrica en la que conviven Elias pintor, el caricaturista Apa, el historiador y crítico de arte Joan Sacs e, incluso, el "Demonio Verde", otro de sus alias cuando firma artículos sobre técnica y oficios de la pintura.

La exposición presentará una síntesis de su actividad creativa, centrándose muy especialmente en su pintura de pincelada miniaturista que dentro de un realismo mágico exalta por igual su ámbito familiar -una humilde bombilla, un huevo frito, una toile de Jouy, una silla isabelina o un mortero- que sus hijas o pasiones artísticas, como la pintura holandesa, Alfred Sisley o la cerámica china. Se trata de una pintura que no está sujeta a grandes evoluciones técnicas, que se mantiene impasible y fiel a unas temáticas concretas a lo largo de todo su itinerario vital, irradiando su predilección por la cultura material.

Tilla Durieux fue una famosa estrella del cine y el teatro, una mujer moderna de los años veinte, políticamente activa y quizás la mujer más retratada de su época. Los papeles de Tilla Durieux (1880-1971) fueron tan variados como los artistas para los que puso como modelo, entre ellos a Auguste Renoir, a Max Slevogt, a Lovis Corinth, a Franz von Stuck, a Charley Toorop, a Ernst Barlach, a Oskar Kokoschka, Max Oppenheimer. y las fotógrafas Lotte Jacobi y Frieda Riess.

Con una vibrante selección de grabados en madera en color de la colección de la Fundación Two Red Roses, esta exposición incluye a maestros como Eliza Draper Gardiner, Frances Gearhart, Edna Boies Hopkins, BJO Nordfeldt, Margaret Jordan Patterson y muchos más. "Grabados en madera del movimieno Arts & Crafts americano" cuenta la historia de cómo los artistas de la época experimentaron con este medio para hacer interpretaciones únicas y personales de esta técnica.

La exposición presenta una extraordinaria colección de obras de arte eclécticas de Arthur Wesley Dow de la Fundación Two Red Roses. Esta exposición cuenta con más de 60 obras que incluyen planchas de madera en color, pinturas y cianotipos originales del raro álbum Ipswich Days.

Venerado pintor, grabador, fotógrafo y educador, Dow estudió en París y enseñó extensamente desde la década de 1880 hasta la de 1910. Como educador de arte, las ideas de Dow sobre el arte se centraban en la naturaleza democrática de la expresión artística, en que el arte debería formar parte de la vida cotidiana y no ser disfrutado sólo por unos pocos. Su libro de 1899 Composición: A series of Exercises in Art Structure for the Use of Students and Teachers, enseña a los estudiantes a crear obras de arte armoniosas a través de los elementos de la composición, como la línea, el equilibrio y el color. Entre los numerosos alumnos de Dow se encuentran el fotógrafo Alvin Langdon Coburn, la pintora Georgia O'Keefe y las hermanas Overbeck, cuyas obras en cerámica pueden verse en la cuarta planta del MAACM. La composición de Dow se sigue enseñando hoy en día con sus teorías sobre el espacio y el diseño, y su legado se extiende por la expresión artística de los siglos XIX y XX.

La exposición explora la vida y la obra del artista inglés y su contribución fundamental al reconocimiento de las artes aplicadas.

Nunca antes presentada con tanta magnitud en Francia, la obra del visionario William Morris marcó con fuerza su época teorizando una utopía social, política, ecológica y artística. Fue el principal constructor de las bases de lo que después se llamaría Arts & Crafts, un movimiento que defendía la presencia del arte en todo y para todos como respuesta a la industrialización de la artesanía.

Por primera vez, la exposición "Sargent y España" presenta aproximadamente 120 deslumbrantes óleos, acuarelas y dibujos, muchos de los cuales se exponen raramente. También se exponen 28 fotografías inéditas de los viajes del artista, algunas de las cuales fueron tomadas por el propio Sargent.

Celebrado como el principal retratista de sociedad de su época, John Singer Sargent influyó en una generación de pintores estadounidenses. Su cautivación personal por España dio lugar a una notable obra que documenta sus extensos viajes del norte al sur y a la isla de Mallorca. A lo largo de tres décadas, Sargent respondió a la riqueza cultural del país produciendo paisajes y escenas marinas, cuadros de la vida cotidiana y estudios arquitectónicos, así como retratos simpáticos de los lugareños que encontró.