Cette présentation nouvellement conçue de la collection créée un tableau opulent qui permet une vision unique, riche et complexe de la fascination exercée par Vienne autour de 1900 et l'atmosphère de cette époque vibrante. Comprenant près de 1300 oeuvres distribuées sur trois étages, l'exposition semi-permanente présente la splendeur et la richesse des accomplissements de cette époque à travers des chefs-d'oeuvre du musée Leopold, ainsi que de prêts permanents éminents de collections autrichiennes et internationales.

À l'occasion du 150e anniversaire de la naissance de Josef Hoffmann (1870-1956), l'exposition documente pour la première fois et de manière exhaustive toute l'oeuvre de cet architecte, designer, professeur et organisateur d'expositions, figure remarquable de la modernité, viennois et membre du mouvement international de la réforme de la vie. Avec son travail infatigable dans le domaine du design et de l'enseignement, Hoffmann cultiva un modèle exemplaire de styles de vie modernes basés sur une culture de la construction et du produit à la fois artisanale et ambitieuse sur le plan artistique. L'exposition présente une sélection représentative du design révolutionnaire de Hoffmann et de ses édifices les plus importants, comme la Maison Stoclet de Bruxelles (1905-1911) ou le sanatorium Purkersdorf (1904-1905).

Le Jugendstilforum de Bad Nauheim ouvre ses portes au public avec une exposition consacrée à la céramique.

Parmi les objets quotidiens produits par l'Art nouveau, ceux en céramique revêtent une importance particulière, car la céramique pouvait être produite à bon marché et en série. De nombreuses personnes pouvaient se les offrir et c'est ainsi que les nouvelles idées de forme et de décoration de l'Art nouveau se sont répandues, notamment avec ce matériau, qui est au centre de cette première exposition.

"Gaudí" est une exposition organisée par le Musée National d'Art de Catalogne et le Musée d'Orsay. Il s'agit d'une présentation grand format qui réunit plus de 650 objets d'architecture, de design et de mobilier, des œuvres d'art, de la documentation, des plans et des photographies. Vingt ans après la célébration de l'Année Gaudí, cette exposition s'éloigne des clichés et propose un bilan complet de la carrière de Gaudí.

Le Museu del Modernisme de Barcelona rouvre ses portes pour l'exposition "Paris-Barcelone", une grande exposition autour de neuf femmes remarquables dans le paysage artistique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe.
Avec plus 300 œuvres, picturales pour la plupart, mais aussi des sculptures, des meubles et des arts décoratifs, l'exposition présente une nouvelle vision de la relation entre les deux capitales, Paris et Barcelone. Le parcours commence par des modèles comme Madeleine de Boisguillaume, Stéphanie Nantas, Clo-clo, Júlia Peraire et Germaine Gargallo, et elle est enrichie par la vision féminine d'artistes comme Suzanne Valadon, Georgette Agutte, Lucie Cousturier et Olga Sacharoff. Elle vise ainsi à établir un dialogue entre les modèles, muses de l'époque, et les artistes qui les ont immortalisées comme Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Toulouse-Lautrec ou Alphonse Mucha.

L'exposition compte des œuvres du Museu Nacional d'Art de Catalunya, de Cau Ferrat de Sitges, de la Biblioteca-Museu Víctor Balaguer,  de la Fundació AMYC et de collections particulières.

L'exposition, que l'on pourra visiter jusqu'au 4 février 2022 au Museu del Modernisme de Barcelona et dans la galerie d'Art Gothsland, a été organisée pour commémorer le 50e anniversaire de la galerie Gothsland, société culturelle de la famille Pinós-Guirao.  L'exposition est accompagnée d'une publication qui examine la présence féminine dans le monde artistique et culturel au tournant du siècle. Les articles mettront en valeur les vies de ces femmes qui dans la plupart des cas ont été passées sous silence ou peu racontées.

L'exposition a été prolongée jusqu'au 20 février 2022 !

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L'exposition invite à une relecture croisée des œuvres de Rodin (1840-1917) et Picasso (1881-1973), ces deux grands artistes ayant durablement bouleversé les pratiques artistiques de leur temps pour les générations à venir. Il ne s'agit pas de montrer ce que Picasso a emprunté à Rodin, mais plutôt d'examiner les convergences signifiantes qui apparaissent entre l'œuvre de Rodin et plusieurs périodes de la production de Picasso.

Cette grande exposition offre une vision unique des processus créatifs de Rodin; elle souligne le rôle essentiel de la craie dans sa pratique. L'exposition évoque l'atmosphère essentielle de son atelier, et le visiteur y découvrira des pièces moins connues et de nouveaux aspects des ses œuvres les plus emblématiques.

L'exposition présente les œuvres les plus remarquables de la vaste collection d'art autrichien du musée de 1890 à 1940, notamment des œuvres majeures de Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Alfred Kubin et Egon Schiele.

Cette exposition présente une sélection ample et variée des toiles d'Anglada Camarasa, avec l'idée de montrer l'ensemble dans une vision personnelle et romantique qu'évoque cette disposition du musée du port de Pollença. Une opportunité unique pour découvrir l'œuvre d'Anglada-Camarasa à travers une proposition d'exposition différente de celle que présentait le CaixaForum jusqu'à maintenant.

L'exposition a pour objectif de faire connaître les femmes peintres de la fin du XIXe siècle qui ont consacré leur carrière à peindre les fleurs du Modernisme catalan et qui sont si peu connues. Nous faisons référence aux femmes artistes qui participèrent aux expositions féminines de la Salle Parés de Barcelone en 1896, 1897, 1899 et 1900.

En 1896, la Salle Parés organisa la première exposition exclusivement féminine, comme cela venait de se faire à Chicago peu avant. Y participèrent des femmes artistes très diverses dans le but de se faire connaître du public.

Ces expositions féminines de la Salle Parés représentèrent un point d'inflexion à partir duquel chaque artiste a pu choisir et suivre sa carrière, un point de départ pour "normaliser" la professionnalisation artistique de ces femmes peintres.

Le thème le plus récurrent de ces expositions fut les fleurs, qui méritèrent même un traitement spécifique dans la nature morte. Cela est dû au fait que les femmes qui s'inscrivaient à l'École des Beaux-Arts de La Llotja ne pouvaient accéder aux classes de nu, ce qui ne facilitait pas le fait qu'elles puissent se consacrer professionnellement à la figure ou au portrait.

Ces artistes tirèrent parti de l'opportunité que leur offrait la société et elles "utilisèrent" les fleurs comme manifeste de leur art. Douées pour la composition et habiles avec la couleur, certaines obtinrent des résultats remarquables. D'autres, par contre, firent des carrières plus irrégulières et un groupe important d'entre elles disparut du domaine artistique après leur mariage.

Dirigée par l'historienne de l'art, Consol Oltra, commissaire de l'exposition, celle-ci présente les œuvres de ces femmes, dont certaines furent exposées à la Salle Parés il y a plus de cent ans.

Vendredi 11 juin, le jour de l'inauguration de "Concevoir la nouveauté: Charles Rennie Mackintosh et le style Glasgow" à Nashville, Tennessee, le musée Frist Art présente une conférence d'Alison Brown, conservatrice d'art décoratif et design européen des musées de Glasgow, et commissaire de l'exposition.

Pendant 21 ans, de 1896 à 1917, l'architecte et designer Charles Rennie Mackintosh créa certains de ses intérieurs et programmes décoratifs les plus imaginatifs pour les quatre salons de thé de Catherine Cranston, au centre de Glasgow. Cette commande lui fournit la possibilité d'expérimenter une approche toujours plus sophistiquée pour les intérieurs, le mobilier et les accessoires, allant des muraux mystérieux inspirés de l'Art nouveau et du Japon et des fauteuils iconiques à hauts dossiers aux espaces de salles à manger évocateurs aux gammes de couleur allant du blanc et argenté à la chaleur du bois teint, en plus de designs d'influence chinoise et d'une géométrie audacieusement colorée qui anticipait le rythme de l'Art Déco. Son ensemble de salles de conception plus tridimensionnelle pour le salon de thé Willow (1903), atteignit un nouveau niveau dans la configuration d'un intérieur comme œuvre d'art total. Cette conférence illustrée présente les singulières collaborations de Mackintosh avec Catherine Cranston à travers des photos d'archives et des objets, avec les connaissances de la réserve des musées de Glasgow sur la conservation, reconstruction et restauration de certains des intérieurs des salons de thé qui existent encore dans la rue Ingram.

Vendredi 11 juin | 18 h BST | 12 h EDT | via Zoom, gratuit sur réservation préalable

À cause de la propagation continue du Coronavirus dans le monde entier, le conseil d'administration et la directrice de la Fondation Iconic Houses ont été amenés à reprogrammer les conférences et visites guidées de cette année. Après avoir examiné attentivement les choses, ils considèrent que remettre l'évènement au 1-7 juin 2021 est la seule option viable. L'inscription sera à nouveau ouverte le 1^er juin.

Louis Comfort Tiffany (1848-1933) employa de nombreux designers, mais seul un petit nombre d'entre eux fut sélectionné pour travailler au départament des émaux, groupe auquel les employés des Studios Tiffany faisait référence, avec une certaine envie, comme la "petite Arcadie ". L'exposition présente une douzaine d'esquisses à l'aquarelle de ces artisans de Tiffany.

Le Palais Güell présente jusqu'au 30 mai 2021 une exposition consacrée au peintre Aleix Clapés. Cet artiste barcelonais (1846-1920) fut pendant de longues années un compagnon de voyage inséparable et le peintre préféré d'Eusebi Güell et d'Antoni Gaudí. Artiste d'une puissance expressive extraordinaire, il fut aussi le peintre par excellence du Palais Güell, le seul qui à être intervenu dans la décoration original de l'édifice, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur.

L'exposition présente une des œuvres les plus remarquables d'Aleix Clapés que l'on croyait disparue depuis plus d'un siècle. Il s'agit d'El peó (ca. 1886), que l'on a découvert pendant la préparation de cette exposition. Comme le racontent les historiens de l'art Carlos Alejandro Lupercio et Josep Casamartina, il existe une légende familiale selon laquelle Léon Trotski aurait acquis cette œuvre à Paris en 1920 et l'aurait envoyée au Kremlin. Aujourd'hui, on sait que le tableau n'a jamais quitté Barcelone.

À l'occasion du 70e anniversaire de la mort d'Otto Prutscher, l'exposition souligne l'importance de son œuvre pour le développement de l'Art nouveau viennois.
L'exposition est consacrée à Josef Hoffmann (1870-1956) en association avec Otto Prutscher (1880-1949). Pruschler, comme Hoffmann, était architecte et designer; il maîtrisait tous les matériaux utilisés dans les arts appliqués. C'était un designer d'expositions, un professeur et un membre des mouvements artistiques de réforme les plus importants, de la Sécession aux Wiener Werkstätte et au Werkbund.

À l'occasion du 150^e anniversaire de la naissance d'Adolf Loos (1870-1933), le MAK présente une exposition qui a été développée en collaboration avec l'Albertina:  "ADOLF LOOS: Maisons privées". Pendant toute sa vie, Loos a œuvré tant dans les logements publics que privés. Cette exposition se centre sur les maisons privées et présente des dessins de design, des plans, des photos et des modèles de maisons individuelles familiales, de villas et de maisons de campagne luxueusement meublées pour la plupart. Par contraste, l'exposition inclura aussi des projets sociaux révolutionnaires, tels que des édifices pour la municipalité de Vienne.

Les musées de Sitges ont préparé une série d'activités, en personne et en ligne, pour tous les types de public afin de sensibiliser les femmes artistes des musées de Sitges.

Une reconnaissance des femmes qui ont fait partie des histoires à l'intérieur du musée avec la création d'œuvres ou en tant qu'inspiratrices d'art. Mais aussi ces femmes qui ont contribué à la construction de l'environnement, du territoire de la société et de la culture de Sitges.

L'exposition est dédiée à l'artiste visuel et architecte norvégien Harald Krohg Stabell (1874-1963, qui a vécu et travaillé à Ålesund pendant la période de reconstruction après l'incendie de la ville en 1904.

L'exposition présente des dessins d'architecture, des aquarelles et des gravures sur bois avec des motifs d'Ålesund et de ses environs.

La mosaïque de trencadís est une des images qui identifient le mieux l'œuvre d'Antoní Gaudí. Dans le Modernisme, l'architecture représente l'architecture de tous les arts, et grâce à l'utilisation adéquate de l'ornementation, une riche combinaison de formes, de volumes, de textures et aussi de couleurs voit le jour -une couleur qui est surtout définie par l'utilisation de la mosaïque de céramique et de verre.

Cette exposition a pour but d'expliquer l'origine et l'évolution du trencadís; elle s'achève en un processus de déconstruction de cette technique, en découvrant la matière dont elle est composée. Ainsi sont présentées des pièces originales et des répliques, à côté de photographies, de manière à ce qu'une grande partie des matériaux employés puisse être identifiés.