Cette présentation nouvellement conçue de la collection créée un tableau opulent qui permet une vision unique, riche et complexe de la fascination exercée par Vienne autour de 1900 et l'atmosphère de cette époque vibrante. Comprenant près de 1300 oeuvres distribuées sur trois étages, l'exposition semi-permanente présente la splendeur et la richesse des accomplissements de cette époque à travers des chefs-d'oeuvre du musée Leopold, ainsi que de prêts permanents éminents de collections autrichiennes et internationales.

Cette exposition présente une sélection ample et variée des toiles d'Anglada Camarasa, avec l'idée de montrer l'ensemble dans une vision personnelle et romantique qu'évoque cette disposition du musée du port de Pollença. Une opportunité unique pour découvrir l'œuvre d'Anglada-Camarasa à travers une proposition d'exposition différente de celle que présentait le CaixaForum jusqu'à maintenant.

Le Palais Güell présente jusqu'au 30 mai 2021 une exposition consacrée au peintre Aleix Clapés. Cet artiste barcelonais (1846-1920) fut pendant de longues années un compagnon de voyage inséparable et le peintre préféré d'Eusebi Güell et d'Antoni Gaudí. Artiste d'une puissance expressive extraordinaire, il fut aussi le peintre par excellence du Palais Güell, le seul qui à être intervenu dans la décoration original de l'édifice, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur.

L'exposition présente une des œuvres les plus remarquables d'Aleix Clapés que l'on croyait disparue depuis plus d'un siècle. Il s'agit d'El peó (ca. 1886), que l'on a découvert pendant la préparation de cette exposition. Comme le racontent les historiens de l'art Carlos Alejandro Lupercio et Josep Casamartina, il existe une légende familiale selon laquelle Léon Trotski aurait acquis cette œuvre à Paris en 1920 et l'aurait envoyée au Kremlin. Aujourd'hui, on sait que le tableau n'a jamais quitté Barcelone.

À l'occasion du 70e anniversaire de la mort d'Otto Prutscher, l'exposition souligne l'importance de son œuvre pour le développement de l'Art nouveau viennois.
L'exposition est consacrée à Josef Hoffmann (1870-1956) en association avec Otto Prutscher (1880-1949). Pruschler, comme Hoffmann, était architecte et designer; il maîtrisait tous les matériaux utilisés dans les arts appliqués. C'était un designer d'expositions, un professeur et un membre des mouvements artistiques de réforme les plus importants, de la Sécession aux Wiener Werkstätte et au Werkbund.

À l'occasion du 150^e anniversaire de la naissance d'Adolf Loos (1870-1933), le MAK présente une exposition qui a été développée en collaboration avec l'Albertina:  "ADOLF LOOS: Maisons privées". Pendant toute sa vie, Loos a œuvré tant dans les logements publics que privés. Cette exposition se centre sur les maisons privées et présente des dessins de design, des plans, des photos et des modèles de maisons individuelles familiales, de villas et de maisons de campagne luxueusement meublées pour la plupart. Par contraste, l'exposition inclura aussi des projets sociaux révolutionnaires, tels que des édifices pour la municipalité de Vienne.

L'exposition est dédiée à l'artiste visuel et architecte norvégien Harald Krohg Stabell (1874-1963, qui a vécu et travaillé à Ålesund pendant la période de reconstruction après l'incendie de la ville en 1904.

L'exposition présente des dessins d'architecture, des aquarelles et des gravures sur bois avec des motifs d'Ålesund et de ses environs.

La mosaïque de trencadís est une des images qui identifient le mieux l'œuvre d'Antoní Gaudí. Dans le Modernisme, l'architecture représente l'architecture de tous les arts, et grâce à l'utilisation adéquate de l'ornementation, une riche combinaison de formes, de volumes, de textures et aussi de couleurs voit le jour -une couleur qui est surtout définie par l'utilisation de la mosaïque de céramique et de verre.

Cette exposition a pour but d'expliquer l'origine et l'évolution du trencadís; elle s'achève en un processus de déconstruction de cette technique, en découvrant la matière dont elle est composée. Ainsi sont présentées des pièces originales et des répliques, à côté de photographies, de manière à ce qu'une grande partie des matériaux employés puisse être identifiés.

The conference will approach the term Revivals with regard to Decorative Arts and Design to be interpreted as any domestic or public furnishings including but not limited to textiles, silverware, furniture, wallpaper, tableware, interior decoration as a whole, graphic design, as well as personal accessories (excluding fashion). Also welcome presentations on revivals within decorative and applied art traditions (ceramics, lacquer, metalwork, textiles, woodwork, etc.) made for utilitarian or connoisseurial purposes.

The conference includes two extra days for the post conference tour to Coimbra and Porto on 17 and 18 October.

Proposals for papers can be presented until 15 April 2020.

For more information in English click here.

La couleur bleue définit le caractère spirituel et esthétique de l'art entre les deux siècles, et représente un lien poétique entre les phénomènes de la nature et les états d'âme.

L'exposition  souhaite présenter Otto Prutscher (1880-1949), soixante-dix ans après sa mort, dans les multiples rôles qu'il a joué pour le développement de la modernité viennoise. Prutscher était un architecte designer et un designer qui utilisa tous les différents types de matériaux des arts appliqués, un créateur d'exposition, un enseignant et un membre de tous les mouvements artistiques importants de réforme allant de la Sécession au Wiener Werkstätte et au Werkbund.

Exchanging ideas, history, intellectual growth, future... These are the proposed basics of the III Ibero-American Congress on the History of Furniture 2020, which is set to attract major sector experts from around the world to Barcelona. It is accordingly the only congress that delves into the history of furniture and brings together valuable knowledge to enhance progress in this field of research.
Under the title Connections/Conexões/Connections, the Congress will focus on the temporal, geographical, material and formal connections of Spanish, Portuguese and English furniture, which are also its three working languages.

Proposals for papers can be presented until 31 March at: congreso@estudidelmoble.com

Le Centre de Recherche du Musée Horta organisera un colloque consacré à l'ornement Art nouveau. Ce dernier se tiendra de 9h à 17h au CIVA puis sera suivi d'une réception et d'une visite de l'exposition du Musée Horta, Secrets d'ateliers : l'ornement Art nouveau.

Historiens de l'art, de l'architecture, artistes, collectionneurs et artisans interviendront lors de cette journée d'étude afin de vous présenter un riche panel international de recherches et de perspectives relatives à l'ornement Art nouveau.

Plongez-vous dans le programme de cette journée ici

Pour toutes questions supplémentaires, vous pouvez prendre contact avec Camille Paget : camille@hortamuseum.be ou 32 02/543.04.90

L'exposition itinérante "Le Modernisme et les fleurs. De la nature à l'architecture " est consacrée à la représentation de plantes et de fleurs appliquées à la construction à travers les arts décoratifs du Modernisme. Pour la première fois, une exposition établit un dialogue entre le monde végétal et l'architecture moderniste. Le discours de l'exposition est structuré en quatre domaines. Dans le premier, on explique le processus créatif que suivaient les artistes pour "capturer" les images des fleurs. Dans le second, on effectue un parcours à travers huit arts appliqués à l'architecture- céramique, mosaïque, fer, pierre, stuc, mosaïque hydraulique, vitrail et plâtre- et leurs processus de création. Dans le troisième, une promenade d'exposition de fleurs et de plantes qui recréent un jardin géant et immuable. L'exposition se termine en posant la question de la difficulté de la conservation des arts appliqués à la construction. À la Casa-Museu Lluís Domènech i Montaner de Canet de Mar, l'exposition se voit aggrandie avec de nouvelles pièces, et on y octroie une attention spéciale à la représentation de fleurs en céramique utilisées par l'architecte Lluís Domènech i Montaner dans ses édifices.

Fàtima López, Marta Saliné et Sergio de la Fuente, docteurs en Histoire de l'Art et membres du groupe de recherche GRACMON de l'Université de Barcelone, sont les commissaires de l'exposition.

L'exposition retrace le parcours et les influences artistiques et philosophiques qui ont nourri l'artiste Giorgio de Chirico de Munich à Turin, puis à Paris où il découvre les avant-gardes picturales de son temps et enfin à Ferrare. De manière inédite, seront mis en lumière les liens du peintre, découvert par Apollinaire puis soutenu par le marchand Paul Guillaume, avec les cercles culturels et littéraires parisiens.

L'exposition, que l'on pourra visiter jusqu'au 28 juin 2020, a pour objectif de montrer comment la femme était vue à la fin du XIXe siècle et au début du XXe.
"Femmes, entre Renoir et Sorolla" présente un ensemble de 47 œuvres, parmi lesquelles on trouve 42 peintures et 5 statues. Sur les 29 artistes représentés, à l'exception de Pierre-Auguste Renoir et Joaquín Torres García, tous sont des Espagnols de la taille de Joaquín Sorolla, Ramón Casas, Benjamín Palencia, Anglada Camarasa et Santiago Rusiñol.

Cette exposition explore les modèles aux couleurs vives de Tiffany et leur rapport avec les mouvements émergeants d'arts et métiers du début du XXe siècle. À travers la présentation dynamique, illuminée de 20 des lampes de verre teinté, de bureau et sur pied, "Tiffany en fleurs" introduit les visiteurs dans l'univers magique créé par Tiffany avec des centaines d'éclats de verre et le "nouveau" pouvoir de la lumière électrique. Des photographies de cette période et des récits de ses artisans fournissent également une vision de l'atelier et du magasin de Tiffany.

L'exposition finale du Munch Museet, avant que le musée ne s'installe dans son nouvel édifice, présente pour la première des oeuvres de toutes ses collections. Il s'agit de la dernière opportunité de visiter le musée Munch dans son bâtiment iconique depuis 1963.

L'exposition comprend des oeuvres célèbres de Munch comme Le Cri, Madone, Nuit étoilée, Le Baiser et d'autres joyaux d'artistes comme  Amaldus Nielsen, Harriet Backer, Ludvig Ravensberg, Teddy Røwde, Jakob Weidemann et Johan Berner Jakobsen.

Aubrey Beardsley (1872 - 1898) a choqué et ravit le Londres victorien tardif avec ses dessins sinueux en noir et blanc. Il a exploré l'érotique et l'élégant, le drôle et le grotesque, gagnant ainsi des admirateurs dans le monde entier avec son style particulier.
L'exposition couvrira la carrière prolifique et intense de Beardsley comme dessinateur et illustrateur, interrompue par la tuberulose et sa mort prématurée à l'âge de 25 ans. La personnalité énigmatique et charismatique de Beardsley a joué un rôle dans le phénomène que son art et lui-même ont provoqué.

Dans le cadre de la Saison viennoise à la Cité, découvrez Otto Wagner, figure majeure de la scène architecturale européenne du tournant des XIXème et XXème siècles. Ses réalisations autant que ses écrits ont largement contribué à l'émergence d'une " architecture moderne".

L'exposition dont le commissaire est le Musée d'Art de Cerdanyola, avec la collaboration de la Fondation Joan Abelló, propose une approche à la thématique du nu masculin, dans une perspective féministe revendiquant l'égalité de genre et la diversité d'identité de genre, sexuelle et affective.

Avec des affiches et peintures, sculptures, meubles et céramiques, l'exposition illustre l'extraordinaire épanouissement artistique et artisanal qui a bouleversé et changé le goût décoratif au début du xxè siècle.

La première exposition itinérante "Charles Rennie Mackintosh: la création du style Glasgow"  sera la première exposition aux États-Unis pas seulement pour montrer l'oeuvre fondamentale de Charles Rennie Mackintosh ( 1868-1928). Cette exposition révèle la relation entre l'artiste le plus étroitement aligné avec le style Glasgow et la ville, représentée à travers la richesse extraordinaire qu'on trouve dans les collections de citoyens de la ville.

La couleur bleue définit le caractère spirituel et esthétique de l'art entre les deux siècles, et représente un lien poétique entre les phénomènes de la nature et les états d'âme.

La nouvelle exposition numérique de l'Atelier des Lumières propose une immersion dans les toiles de Vincent van Gogh. Épousant la totalité de l'espace de l'Atelier, cette nouvelle création visuelle et sonore retrace la vie intense de l'artiste tourmenté qui peignit pendant les 10 dernières années de sa vie plus de 2000 tableaux, aujourd'hui dispersés à travers le monde.

With 98 works on display by 68 artists, the exhibition seeks to analyse not only the place that pastel holds compared to traditionally venerated oil painting, but also the reasons that led different artists in the 19th and 20th centuries to turn to and reclaim this medium. Divided into 10 chronological sections, the show highlights the key moments and crucial figures in the rebirth of pastel during the first iteration of modernity, a time when this technique came to be considered an art in its own right.